TATE BRITAIN Y EL RECONOCIMIENTO A LAS MUJERES ARTISTAS / Exposición de Jaume Plensa – Joan Genovés – Pepe Gimeno / Entrevista a Maxwell Alexandre
TATE BRITAIN Y EL RECONOCIMIENTO A LAS MUJERES ARTISTAS by Francisco Bravo Cabrera
Alex Farquharson, director del museo Tate Britain, va a hacerle grandes cambios a las colecciones del museo, ya que por primera vez en diez años, y según el director, la mitad de los cuadros en exposición serán obras de mujeres artistas. Gracias a la diversificación de las gallerías del Tate podrán verse colgados cuadros de pintoras de los siglos XVII al XIX. Esto significa que muchas de las obras de las grandes artistas de esas épocas, tan importantes en la historia del arte, las podremos ver por primera vez en el Tate Britain. Ojalá sigan estos pasos los demás museos del mundo que mucha falta que hace.
Una de las mujeres artistas que ya se ha visto en el Tate es la británica Lynette Yiadom-Boakye. Lynette es conocida por sus retratos de personajes ficticios que te convidan a usar la imaginación para imaginarnos la vida de estos cuyos retratos llevan nombres casi poéticos.
(Lynette Yiadom-Boakye/”Citrine by the Ounce”/2014
Doreen Chambers and Philippe Monrougié
© Lynette Yiadom-Boakye)/Foto: Tate.org.uk)
El museo también ha solicitado encargos de la escultora británica Sarah Lucas, que forma parte de los Young British Artists (Artistas jóvenes británicos) que se dieron a conocer en la década de los 1990. El Tate le ha pedido dos esculturas en las cuales con las cuales el publico puede interactuar trepándose el ellas. Para mí, estas obras de Lucas se asemejan mas a las piezas de instalaciones, (Installation piece), que forman parte del arte conceptual. Pero son muy interesantes y además es otra artista mujer que se destaca y que la apoyan las fuerzas tradicionales que gobiernan el mundo artístico.
(Sarah Lucas in her Framlingham studio CREDIT: Julian Simmons foto The Telegraph)
Otra de las grandes instalaciones que presentaran es también de otra artista, Anya Gallaccio. Esta artista, también británica, hace instalaciones minimalistas que están hechas específicamente para ocupar el lugar exacto donde se van a exponer, lo que llaman site-especific. Gallaccio usa material orgánico y eso hace que, según el desglose natural de la naturaleza que va pudriendo todo lo que es orgánico, no se puede predecir el resultado final de la instalación. La obra que le han pedido se titula “Preserve Beauty,” construida entre 1991-2003. Nos alegramos que otra artista femenina este siendo reconocida por semejante institución artística como el Tate Britain.
(“Preserve Beauty” de Anya Gallaccio)
Finalmente el director ha dicho que la mitad de los artistas contemporáneos que se expondrán serán mujeres. Contaran con obras de Bridget Riley, Tracey Emin, Kudzanai-Violet Hwami y Lydia Ourahmane, entre otras mas no nombradas. Ojalá no sean todas obras de arte conceptual y dejen lugar también para la pintura y la escultura de toda la vida. Pero es refrescante ver que en un museo de la talla del Tate Britain se reconozca el valor de las mujeres artistas y se le de un lugar igual al de los hombres. Total, a fin de cuentas a lo que se quiere llegar es al punto de que el sexo del artista no importe, sino la calidad de su trabajo. A mí nunca me han gustado las cuotas, me han parecido incluso que ofenden al beneficiado porque muchos pensaran que lo han puesto porque es mujer o porque pertenece a una minoría étnica. El artista tiene que reivindicarse con cada obra que haga y la obra, en sí, es lo que vale. Pero hasta que no haya paridad hay que destacar a las mujeres artistas.
Exposición de Jaume Plensa – Joan Genovés – Pepe Gimeno
EXPOSICIÓN Fundació Bancaixa València By Francisco Bravo Cabrera
La Fundación Bancaja de València está presentando la exposición “Jaume Plensa. Poesía del silencio” hasta el 19 de marzo del corriente. Si estas por València te la recomiendo. Jaume Plensa, artista barcelonés, es uno de los escultores más destacados y reconocidos del arte contemporáneo. Nació un 23 de agosto de 1955 y es pintor, escultor, diseñador y grabador. Añádele que ha hecho varios mise-en-scène para operas, y ha trabajado con el grupo catalán…muy reconocido…de teatro La Fura dels Baus. Sus esculturas…fenomenales…están hechas de letras, símbolos y números. Hay que verlas…
Una de sus obras internacionales es la “Crown Fountain” (2004) de Chicago, EEUU, que es una especie de mezcla de escultura de granito con una proyección de video que gusta mucho…
By flickr user chrismetcalfTV – https://www.flickr.com/photos/laffy4k/178217371, Fair use, https://en.wikipedia.org/w/index.php?curid=48521559)
También hizo “Alchemist” (“Alquimista” que ahora está en Valencia frente a la Fundación Bancaja)obra que fue instalada en el Massachusetts Institute of Technology (MIT).
(Foto propiedad de FBC/Omnia Caelum Studios Valencia/Derechos Reservados 2023)
Aquí una de las obras que me gustó mucho de la exposición…
(Foto propiedad de FBC/Omnia Caelum Studios Valencia/Derechos Reservados 2023)
Junto con la expo de Jaume Plensa está la de nuestro valenciano Joan Genovés, (1930-2020). La expo corre hasta el 16 de abril, 2023. La obra pictórica de Genovés es emblemática de la transición que vivimos después de la dictadura. Su lenguaje artístico se nutre de la fotografía y del film. Utiliza el aerosol y las plantillas para que sus figuras parezcan hechas por una maquina. Se suele aferrar a la cultura de las masas y quizá hasta del pop americano.
(Foto propiedad de FBC/Omnia Caelum Studios Valencia/Derechos Reservados 2023)
(Foto propiedad de FBC/Omnia Caelum Studios Valencia/Derechos Reservados 2023)
Y ultima, pero no menos importante está la exposición de Pepe Gimenos, diseñador de la nostra terreta valenciá, solo hasta el 19 de febrero. Gimeno actualmente dirige el estudio valenciano «Pepe Gimeno – Proyecto Gráfico». Es ganador del Premio Nacional de Diseño 2020,un premio concedido por el Ministerio de Ciencia e Innovación español.
Maxwell Alexandre: “No soy relevante por ser negro. Es que mi obra es excelente”
El artista brasileño de trayectoria más meteórica en los últimos años inaugura su primera exposición en solitario en España, una provocación que muestra a personajes negros ostentando símbolos de poder y vanidad
by Tom C. Avendaño El país
La primera vez que el artista brasileño Maxwell Alexandre (Río de Janeiro, 32 años) expuso su obra fue dentro de una exposición colectiva, en una galería abierta a quien quisiera usarla. No había comisarios ni reglas: solo espacio. Y en espacio pensó él. “Si juntaba cuatro piezas de papel, me salía un módulo que ocupaba la pared entera del estudio que tenía entonces en la Rocinha [su favela natal y, con 69.000 habitantes, la mayor del país]. Junté cuatro módulos, o sea, cuatro veces la pared de mi estudio, y me planté en la galería con una obra de tres metros”, rememora hoy el pintor. “Mi ambición era ocupar el máximo tamaño posible de aquella galería [era la sede flumiense de Fortes d’Aloia & Gabriel]. Lo único que pedían era que llegases a tiempo con tu trabajo ya listo”.
Han pasado casi diez años desde entonces. Ha cambiado todo. De recién graduado en Diseño por la Universidad Pontificia de Río, Alexandre ha pasado a ser la gran revelación del arte brasileño. Ha sido objeto de exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, en el Palais de Tokyo de París, la David Zwirner de Londres y, actualmente, en The Shed, Nueva York. Hay que hacer no poca memoria para dar con un artista de su país con una proyección internacional tan meteórica.
También es cierto que no ha cambiado nada. Alexandre, hoy todo un toro de hombros ciclópeos cubiertos de rastas, sigue dibujando sobre pardo, papel de embalaje, el más común que se puede encontrar en la Rocinha. Aún mantiene la actitud retadora de un joven Kanye West y el deseo, tan afrobrasileiro, tan de ahora, de acopiar cuanto espacio tenga por delante porque nadie se lo va a ceder por las buenas. Y aún está rodeado de espectaculares obras de tres metros de alto.
Su primera exposición en España, Nuevo Poder: Pasabilidad, inaugurada el 2 de febrero en La Casa Encendida (Madrid), sumerge al visitante en su mundo. Convierte dos salas del centro en auténticos laberintos, cuyas paredes están formadas por enormes dibujos sobre papel pardo, pintados en tonos negros, blancos y marrones y evocadores del estadounidense Kerry James Marshall, de personas negras en actitudes casi inéditas: “Con gestos de victoria, fiesta, vanidad, riqueza, autoestima”, afirma el panfleto de la exposición, organizada junto con el Instituto Inclusartiz. Es algo que este gigante (con perdón) de la figuración negra brasileña ya exploró en anteriores series (sobre todo en Papel é Pardo), y que es buena parte de su visión artística.
“En portugués, pardo es un concepto que se refiere al blanqueamiento de la raza negra, su borrado”, articula él. “Hay una vinculación entre ese pardo y la fragilidad del papel pardo, que suele verse más en escuelas, o para hacer bocetos en moda o para empaquetar envíos. No puedes usar óleo en él, ni pinturas grasas, ni se puede enmarcar. Se va a perder. Esto”, aquí señala a los murales que le rodean, “no va a aguantar diez años. Pero nunca tuve intención de venderlo. Sí quería contrastar el tamaño de la obra con la fragilidad del papel, la ambición de tomar todo el espacio posible de las galerías, pero desde un material que se transparenta, que se mueve cuando pasas a su lado. Quería el metalenguaje de una galería dentro de una galería. Quería manipular el tránsito por una exposición”.
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