JOANNA HOGG Y EL RETO DE DESARROLLAR IDEA A TRAVÉS DE LA ACCIÓN. Por María Rodríguez Velasco

A menudo cuesta decidirse entre tantas opciones y, más aún, en la actualidad, donde los estímulos cobran un papel decisivo en la difícil tarea de la persuasión. Tenemos poco tiempo, muchas tareas y una red infinita de llamativas ofertas. Igual sucede con el cine. Las plataformas nos ofrecen un contenido inmenso, un espacio donde conviven pasado y futuro, aunque ese material esté ordenado, estructurado según criterios y algoritmos que nos conocen más que nosotros mismos. Mediante el método heurístico del ensayo y error, a veces, hasta conseguimos pasar una buena tarde con una película que nos colme esa sensación de búsqueda. Así, como quien toma un callejón que nunca suele transitar, hallé “La hija eterna” (Hogg, 2022).

Esta coproducción entre Reino Unido, Irlanda y Estados Unidos recibió las nominaciones al León de Oro en el Festival de Venecia y al Giraldillo de Oro en el Festival de Sevilla de Cine Europeo en 2022. También, su protagonista –por partida doble-, Tilda Swinton, optó a la mejor interpretación en el British Independent Film Awards (2023). Y es que cuenta con los elementos de cualquier cuento gótico, pero también es intimista y podría considerarse una obra experimental. Una mansión británica, transformada en hotel, donde la niebla exterior, la penumbra de sus pasillos (o laberintos) y el silencio que habita en ella conforman un clima de misterio, quietud y alerta que atrapan al espectador. No obstante, el verdadero poso de la historia está en el vínculo materno-filial y en la memoria compartida, en todos esos parches que ponemos en las relaciones y en los huecos que dejamos al descubierto, por la falta de comunicación o por la prisa de dejar atrás los recuerdos. Su directora, Joanna Hogg (Londres, 1960), utiliza el recurso del plano contraplano para las escenas en que la misma actriz hace de madre y de hija; pero no hay que obviar el trabajo emocional que hicieron ambas previamente, mediante conversaciones sobre sus propias vivencias, para “llegar donde más duele” (en palabras de la propia Swinton).

 

No es la primera vez que Joanna y Tilda se embarcan en un proyecto juntas, ya que en el cortometraje “Caprice” (1986) debutaron muy jóvenes. La primera, con apenas veintiséis años, y la segunda, siendo aún una desconocida. Este se ha descrito como surrealista y con un estilo muy alejado de su filmografía posterior. No obstante, hasta el momento, sus experiencias estaban ligadas a la fotografía y a las películas Super-8. Estudió dirección en la National Film and Television School y, tras graduarse, dirigió varios vídeos para artistas musicales. Continuó con su trayectoria en miniseries y especiales de televisión, encargándose también de sus guiones, en algunos casos. Ha llegado a confesar que, durante esa época, fue agotador tener que sortear ciertas actitudes en equipos técnicos mayoritariamente masculinos, en los que recibir instrucciones de una mujer era algo insólito. Puede que, precisamente por este motivo, quisiera probar y crear aquello que no se le había permitido en la pequeña pantalla. “Unrelated” (2007), su primer largometraje, se estrenó en el Festival de Cine de Londres y obtuvo el Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional. Sin embargo, no todos admiraron su método al crear una atmósfera de desapego, gracias a un buen manejo de cámara. Eso sí, muchos otros llegaron a compararla con Ozu, Chabrol y Rohmer.

En 2010, con mayor distribución en las salas de cine, rodó “Archipiélago”, aludiendo a un grupo de islas diseminadas en una gran masa de agua, como la familia que se presenta en ella. La cineasta reconoció la gran influencia de Rossellini y, particularmente, de “Stromboli, tierra de Dios” (1950) en algunas secuencias de este film. Tres años más tarde, siguiendo su tendencia habitual a mezclar actores profesionales y no profesionales, pidió a los protagonistas que, durante el transcurso del rodaje, vivieran en la casa donde se desarrolla la trama de “Exhibition”, para difuminar los límites entre realidad y ficción. No les facilitó un guion, sino que se limitó a transmitirles aquello que quería plasmar en cada momento.

Basándose en su propia historia personal y contando con Tilda y Honor Swinton, vio la luz el díptico “The souvenir” (2019) y “The souvenir”: Part II” (2021). A finales de los ochenta ya lo tenía en mente, pero reconoció que había sido posible treinta años después gracias a la perspectiva del tiempo. Para ubicar la memoria y ser fiel a los hechos, llegó a reconstruir el apartamento donde vivió, aunque hubo que reajustar espacios, a medida que iba recordando ciertos rincones y detalles que el olvido se había encargado de desdibujar. Tampoco en este caso los diálogos estaban trazados con exactitud, más bien Hogg ofreció a sus actores el marco, la situación, profundizando en la psicología de cada personaje.

Joanna Hogg y Adam Roberts fundaron el colectivo de cine “A Nos Amours” en 2011, con el objetivo de dar visibilidad a esa programación que no se exhibe o se desconoce. Uno de los proyectos más significativos fue la retrospectiva completa de Chantal Akerman en la Ambika P3 Gallery de Londres, única en el mundo; al menos, hasta la actualidad. Después de “Chantal Akerman NOW” (2015), siguió una publicación editorial de consulta y con material de apoyo, titulada “Chantal Akerman Retrospective Handbook”.

Siempre siente una pizca de insatisfacción al terminar sus películas, porque sólo puede obtener con ellas un pequeño porcentaje de la intención inicial. Aunque es consciente de la imposibilidad de transferir por completo la vida real a la pantalla, ese simple hecho es razón suficiente para querer hacerlo.

Está claro que seguimos necesitando cineastas como Hogg, que disfruten de la aventura del proceso y no se centren tanto en la competencia y en los elogios. Ojalá pronto sus propuestas cinematográficas estén, cada vez, más accesibles en las plataformas al uso.